可乐陪鸡翅
萧俊贤的山水画艺术分期中，早期、中期和晚期分别呈现出哪些不同的风格特征？ 萧俊贤的山水画艺术分期中，早期、中期和晚期分别呈现出哪些不同的风格特征？他的创作轨迹如何从传统根基走向个性突破，又如何在晚年形成独特面貌？
萧俊贤作为近代山水画转型期的重要画家，其艺术生涯跨越清末至民国，历经数十年探索，形成了清晰的风格分期。通过梳理其早、中、晚三个阶段的创作特征，不仅能窥见个人艺术语言的演进逻辑，更能折射出传统中国画在时代变迁中的自我更新路径。
一、早期（约1880-1910年）：深耕传统的临摹根基
萧俊贤出生于湖南衡阳，自幼接触湖湘文人画传统，青年时期入南京两江优级师范学堂图画手工科学习，系统接受西方美术教育的同时，更执着于传统笔墨的锤炼。这一阶段的风格特征可概括为「师古而不泥古」的扎实积累。
核心特点有三：其一，取法广泛却主宗南宗。他深入研习董源、巨然的披麻皴法，对王蒙的繁密布局、倪瓒的简淡意境均有涉猎，尤其推崇米芾父子「米点皴」表现烟雨朦胧的江南景致，打下了深厚的南方山水表现基础。其二，技法训练以临摹为主。现存早期作品如《仿董北苑山水》《拟王叔明夏山图》等，均能精准还原古人的笔墨程式——树法严谨（鹿角枝与蟹爪枝分明）、石法规范（斧劈与披麻交替使用）、云水留白遵循「三远法」构图，虽少个人面目，却展现了惊人的传统驾驭能力。其三，画面气息尚属「雅正平和」。受清代正统派影响，早期作品多追求「笔笔有来历」的严谨感，设色以浅绛为主，青绿偶作点缀，整体呈现出学院派培养下对「古意」的坚守。
此阶段可视为萧俊贤的艺术「筑基期」，正如他在《课徒画稿》中所言：「学画须先得古人骨髓，再言自家性情。」大量临摹不仅让他掌握了传统山水的语法体系，更培养了对笔墨质量的敏锐判断——这种根基直接支撑了其后期的突破。
二、中期（约1911-1935年）：融合创新的过渡蜕变
辛亥革命后，社会文化环境剧变，萧俊贤从南京迁居北京，任国立北平艺专教授，与陈师曾、萧谦中等名家交游。这一时期的创作明显转向「传统为体，生活为用」的探索，风格特征可总结为「破立之间」的实验性突破。
主要变化体现在：题材拓展与写生介入。他不再局限于古人常见的「溪山行旅」「深山隐居」等程式化场景，开始描绘北方山川的雄浑（如太行山石壁的峭拔）、江南水乡的灵秀（如苏州园林的庭院），甚至将北京西山的秋林、南京钟山的雪景纳入笔下。据弟子回忆，萧俊贤常携带写生本实地观察，「对着真山真水琢磨古人如何用笔」，这使得中期作品中的物象更具生活实感。笔墨语言的个性化调整。早期严谨的程式化皴法逐渐松动——披麻皴的线条变得更率意（偶尔夹杂散锋），米点皴的点簇不再均匀密集（通过疏密对比强化空间层次），尤其在山石转折处，常以浓墨干笔「破」出结构，既保留南宗的温润，又融入北宗的骨力。色彩运用的突破。中期作品开始尝试「浅绛+小青绿」的混合技法，例如在《秋山晴霭图》中，先用赭石渲染山体基调，再以石绿点染树叶，最后用花青罩染远峰，色彩层次丰富却不跳脱，形成「雅而不艳」的视觉效果。
这一阶段是萧俊贤从「继承者」向「创造者」转型的关键期。他的探索回应了当时「中国画衰落论」的争议——既不盲目守旧，也不全盘西化，而是通过生活观察与传统技法的重新组合，寻找山水画的当代生命力。
三、晚期（约1936-1949年）：大器晚成的个性成熟
抗战爆发后，萧俊贤隐居南京、上海等地，远离艺术界的喧嚣，创作进入「衰年变法」的成熟期。此时的作品彻底摆脱了对古人的依附，形成了「苍润古拙、大气磅礴」的独特面貌，被后人誉为「萧家山水」。
晚期风格的三大标志：一是笔墨的极致提炼。他摒弃了中期的精细刻画，转而追求「一笔定形」的概括力——树干用粗犷的焦墨中锋一气呵成（不刻意区分枝杈细节），山石以大面积的泼墨铺陈（再以枯笔勾擦纹理），云水则简化为留白的流动带（偶尔用淡墨轻扫暗示流向）。这种「减法」处理让画面摆脱了琐碎，凸显出笔墨本身的力量感。二是意境的哲学升华。晚期作品常取「高远」构图（主峰耸峙直插云霄），但并非简单的雄伟展示，而是通过「山体愈高愈苍润」的对比（山顶苔点浓密而山脚岩石疏朗），传递出「静穆中见生机」的生命意识。例如《云山无尽图》，近景几株老松斜出（枝叶用破笔点染），中景山峦以淡墨晕染（边缘模糊似有雾气），远景主峰仅用数笔浓墨勾出轮廓（顶部留白如积雪），整幅画不见人物却充满「天人合一」的禅意。三是个人符号的形成。萧俊贤晚年独创的「萧氏皴法」——以侧锋逆笔扫出短促的折线（类似雨点皴但更破碎），配合淡墨层层积染，专门表现江南山石的湿润质感；另有一类「折带式」山形（山脊呈折线起伏），成为辨识其作品的显著特征。
这一阶段的萧俊贤，用数十年的积累完成了从「技」到「道」的跨越。他的山水不再是对外部世界的模仿，而是内心世界的投射——正如其题画诗所言：「老来方解画中味，不在形似在气真。」这种超越时代束缚的艺术自觉，使其晚期作品至今仍散发着独特的感染力。
| 分期 | 时间范围 | 核心特征 | 代表技法/题材 | 典型作品举例 | |--------|----------------|--------------------------------------------------------------------------|-----------------------------------|----------------------------------| | 早期 | 1880-1910年 | 深耕传统，临摹为主，追求古意雅正 | 董源披麻皴、王蒙繁密布局、米点烟雨 | 《仿董北苑山水》《拟王叔明夏山图》 | | 中期 | 1911-1935年 | 传统与生活结合，笔墨个性化，题材拓展 | 浅绛+小青绿混合、写生介入 | 《秋山晴霭图》《太行山写生稿》 | | 晚期 | 1936-1949年 | 大器晚成，笔墨提炼至极简，意境哲学化，形成个人符号 | 萧氏皴法、折带山形、苍润古拙 | 《云山无尽图》《暮山图》 |
若以更直观的问答形式梳理关键点：
- Q：早期为何侧重临摹？ A：受学院教育与时代背景影响，需先掌握传统笔墨语法，为后续创新打基础。
- Q：中期最大的突破是什么？ A：将生活观察融入传统程式，解决了「古人画法如何表现当下山水」的现实问题。
- Q：晚期为何能形成独特面貌？ A：隐居生活带来的沉淀，以及对笔墨本质的深刻理解，让其摆脱了「像谁」的束缚。
从萧俊贤的分期演变中，我们看到的不仅是一位画家的成长史，更是中国画在传统与现代碰撞中保持活力的缩影——真正的艺术传承，从来不是简单的复制，而是在深刻理解根基后的创造性转化。